转自：光明日报

作为舞蹈与戏剧的融合体，舞剧既要能“舞”，也要有戏。然而，舞蹈与戏剧在艺术本质上并不天然契合——舞蹈偏于抽象、抒情与感性，依赖动作与节奏传递情绪；而戏剧则重于具象、叙事与理性，强调人物、情节与因果关系。当它们被纳入同一结构，创作者就不得不面临这样的问题：舞太多，剧不清，观众只能借助节目册和字幕等说明文本来拼接剧情线索；而当叙事成为主导，舞蹈又有被简化为剧情“传话筒”的风险，失去身体语言本应具备的自由性与诗性流动。如何在身体行动与叙事推动之间建立有效的“翻译”机制，以实现舞与剧之间的动态平衡，是当前舞剧创作的核心命题之一。

文本、视觉与舞蹈是构成舞剧的三个维度

  文本、视觉与舞蹈是构成舞剧的三个维度，其中蕴藏着舞剧的叙事路径与美学逻辑。只有这三者协同，才能让舞剧成为一种兼具叙事与审美张力的现代舞台艺术。

  文本（或故事），往往是观众进入舞剧世界的第一个通道。对于一部没有台词的作品来说，文本的“可识别性”至关重要，它能降低理解门槛，也能为舞蹈的抽象表现创造承载空间。近年来的许多出圈作品，无论是取材自古典文学的《红楼梦》《李白》，还是立足红色题材的《永不消逝的电波》，都选择了观众熟悉的叙事资源作为创作基础。这种“已知”的故事框架，使得舞蹈可以不再承担“讲清楚”的任务，而是集中力量去表达人物的心理与命运的暗流。这也正是舞剧最独特的优势之一：它不是“讲”一个故事，而是通过身体，把故事转化为感受，传递给观众。文本在舞剧中不是剧情的纲要，而是情绪的引线，为“剧”的讲述提供最大程度的开放性与包容度，为“舞”的表达预留出更为自由的空间。

  视觉作为叙事的另一语言，使得舞剧在“看”与“懂”之间建立起情感的桥梁，也为‘舞’与‘剧’之间的互译提供了形象而流动的中介。现代舞剧的剧场不再是镜框式的容器，而是一个可以变形、呼吸、感知联动的场域。舞台设计不仅承担美学功能，更具有结构性，在某种程度上，它可以决定故事的展开方式，人物的出场逻辑，以及情绪的流动节奏。舞台空间自身会说话，灯光调度制造节奏，影像甚至介入结构，成为情感和思想的外化手段。《只此青绿》之所以令人难忘，正因为它用水墨意境构建了整部作品的情绪氛围，“千里江山图”不仅是文化背景，更是舞台空间本身。主创团队将研墨、铺纸等绘画细节提炼为舞蹈动作，空间布景与身体运动紧密编织，让观众仿佛步入一幅缓慢铺展的画卷。这种“意境型叙事”不依赖情节推进，更多的是引导观众在视觉中自我“补全”意义。同样，闽南风情的《沉沉的厝里情》结尾处，舞台上闽南古厝院墙的缓慢位移，隐喻主人公人生记忆的重组与回望，场景空间的变化即是叙事结构的变化。

  尽管文本与视觉为舞剧提供了理解与沉浸的路径，真正赋予舞剧独特艺术气质的，仍然是舞蹈本身，它是舞剧叙事中最具现场能量与审美张力的表达系统。过去我们常说舞剧“拙于叙事”，问题的关键在于是否能找到适配的叙事语法。随着身体语言的不断发展，越来越多作品开始用动作关系、动态节奏与空间走位描绘人物心理与情感轨迹。其中，不是人物被交代清楚了，而是他被观众读懂了。如《李白》中，舞者在“月下独舞”中所传达的孤独、浪漫与挣扎，几乎不需要任何剧情背景，就能成为观众的情感共振点。而《沙湾往事》则通过身体动态的反复纠缠逐层递进，人物的情感、牺牲、挣扎都在动作关系中得到清晰呈现。这些作品的成功，不是靠“看懂”，而是靠“感通”，始终保持着舞蹈语言的主导地位，以舞蹈的感召力赋予舞剧魅力。

提升题材现实观照度，拓宽与观众的共情路径

  近年来，越来越多的创作者意识到，舞剧不仅是舞蹈艺术的延伸，更是融合身体、视觉与叙事的剧场表达，应运用一种可供现代观众共鸣的复合型叙事方式。舞剧创作者们不再仅以编舞为核心，而是从“讲述什么”与“如何讲述”两个层面，重新思考舞剧的构成方式。

  拓展题材，让舞剧进入更加丰富的现实语境。从传统历史人物、红色记忆、非遗到都市生活、青春叙事、女性成长……舞剧创作者不再局限于经典文本，而是转向更具当代性与个体感的叙事资源。这种打开边界的创作策略，不仅增强了作品的现实观照力，也拓宽了观众的共情路径。如广州歌舞剧院创排的《醒·狮》，并非泛泛地“弘扬民族精神”这一宏大主题，而是通过两个少年艺人的成长与觉醒，将“南狮舞”这一程式化的民间舞语汇转化为身体经验与时代记忆的共鸣。其中，历史不再是一种被告知的情节背景，而是被动作唤起的情绪氛围。

  与题材拓展相辅相成的是舞剧语言系统的多样化构建。在身体表达上，当下舞剧向着多舞种交织、多媒介融合的方向发展。民间舞的丰富、古典舞的婉约、现代舞的张力、街舞的动律，甚至戏曲元素也被越来越多地融合进舞剧之中。这不仅是风格的杂糅，更是一种叙事语法的重组：不同舞种的动作逻辑与节奏机制在结构上形成互补，赋予舞剧更具层次的表达空间。《醒·狮》中，南拳、英歌、鼓阵等民间舞蹈形式被系统化地嵌入舞剧结构，成为推动剧情、塑造人物、激发情感的关键节点，而非元素拼贴。当舞蹈超越了表演段落的装饰性功能，成为情绪“事件”的发生机制，观众不再只是看动作，更在动作中感知意义。这种情感激发的机制，正是舞剧区别于文学与影视等其他叙事形式的独特之处。

应引领大众审美、寻找契合媒介传播的新方式

  近年来，舞剧经历了从小众艺术形式逐步走入大众视野的过程，很多作品甚至一跃成为演出市场的现象级“爆款”。当舞剧逐渐突破小众艺术的圈层边界走向大众，也意味着它必须为不同背景的观众提供多重切入点。

  创作者应看到当下舞剧观众的多样化需求。有的观众希望看到故事清晰、动作漂亮的舞剧，期待舞剧讲好一个完整的故事。有的观众更在意舞蹈本身的意境与美感，对他们来说，舞蹈的动作设计、情感表达远比剧情本身重要。而随着短视频平台的兴起，很多年轻观众是通过某一热门舞段“入坑”的，他们则更习惯于碎片化、场景化的美学体验。与此同时，专业观众的目光则更为严苛。舞者、评论人及艺术院校的专业群体，关注的焦点早已超越故事本身，更在意舞蹈语言和艺术语境的深层共振。

  舞剧当然不能只是为“懂舞”的专业观众而作，更需要回应大众审美习惯、媒介传播路径和文化消费心理。一些舞剧选择以字幕、投影甚至片头视频等方式进行背景信息的铺垫和解释，用现代剧场技术为表意开辟了新的可能。但是，外置叙事虽能迅速提供情节线索，却也容易削弱舞蹈语言的主导性表达。面对观众，创作者必须在抒情与叙事、抽象与具象、身体与文本之间灵活游走，在参照已有欣赏习惯的同时，主动引导观众进入舞蹈的审美逻辑。毕竟，舞蹈艺术的审美教育功能之一，便是通过不断呈现富有层次、节奏与情绪张力的身体叙事，让观众读懂动作、倾听身体。

  舞蹈没有台词，却充满情绪；没有对白，却自成节奏。其实，舞剧讲好故事的关键，并不在于是否完整讲清楚所有情节，而在于是否建立起一种属于自身的叙事结构与表达策略。通过身体、空间和视觉等多重语言，达成情绪传递与思想沟通的共振。舞剧真正擅长讲述的，是升腾于身体之中的故事，是从动作中流淌出的情绪，是在视觉节奏中暗藏的情感线索。舞剧创作应该摆脱“像不像剧”的外在评判框架，转而在“舞”与“剧”的动态关系中，探索属于自身的叙事逻辑与艺术语法。

  优秀的舞剧作品不一定能令观众看懂所有的情节，但一定可以让观众看得见美、看得见情感与身体的力量，看得到作品在自己内心世界的投射。真正的艺术，正是通过激发观众的感知力、想象力与思考力而得以最终完成的。

（作者：刘冰，系中央戏剧学院中国戏剧文化发展战略研究中心科研助理、中国文艺评论家协会会员）