□卜绍基

在全球化、多元化与数字化的浪潮激荡中，中国美术也正经历着一场悄然的深刻变革：从高悬于美术馆的精英艺术，转向融入街头巷尾的全民艺术实践。这种转变不仅体现在题材选择与创作手法上，更映射于艺术传播路径与公众参与方式的革新中。

新时代美术的大众化，既是对“艺术为人民”及“人民性艺术创作”传统的继承，也是对文化消费时代需求的回应，更是一场关于身份认同与审美权力的重构。广东美术正是这一浪潮身体力行的积极践行者。

从宏大叙事到“小切口、大主题”

主流美术界在新时代的创作中，呈现出从宏大叙事到“小切口、大主题”的创作转向。以美协、画院为代表的机构，将创作导向聚焦于“时代精神与个体命运的交织”。

广东画院冯少协的“时代人物系列”，通过《钟南山》《麦贤得》《黄旭华》等油画作品，摒弃传统英雄肖像的符号化表达，转而从“眼泪”“眼神”等微观视角切入进行创作。在《黄旭华——想起母亲的牵挂》中，画家刻意隐去核潜艇等外在符号，用母子相拥时滚烫的泪珠，将“以身许国”的壮烈与“忠孝难全”的隐痛浓缩于一瞬。这种“以小见大”的叙事策略，既规避了主题性创作常见的说教感，又以人性化表达消解了英雄与大众的疏离感。

在第十四届全国美术作品展获得中国画金奖的作品——来自广东的罗玉鑫的《休戚与共》，描绘了北极场景：北极熊一家在冰雪之上休憩，冰城之下有独角鲸、虎鲸，北极的鲑鱼、鲱鱼在自由穿梭，和谐共生。一个极地的“小场景”的刻画引发对人类前途与未来“大主题”的思考。

从宏大向微观转向的背后，是艺术评价体系的深层变革。也让曾主导美术界的“重大历史题材创作工程”，逐步转向更具传播效力的“情感共鸣机制”。

打破空间壁垒的传播创新

美术大众化的另一维度，在于打破空间壁垒的传播创新。

全国政协委员许鸿飞的“肥女雕塑”实践，堪称这一领域的典型样本。其团队将300多件“肥女”雕塑从法国卢浮宫搬到广东潭水镇的荔枝林：骑自行车的村妇车篮塞满荔枝，插秧农妇的裤脚沾着泥点，这些作品既延续了雕塑的国际化语言，又通过本土符号重构获得村民认同。当西班牙萨拉曼卡市民为《银蛇飞舞》雕塑惊叹时，阳春农民指着“肥女”大笑：“这不就是我们赶集的样子嘛！”这种“在地化转译”策略，实现了艺术传播从单向输出到双向对话的跨越。

在出海战略中，许鸿飞提出“五步走”路径：走出去（主动参展）、走进去（融入当地）、请出去（受邀展览）、请回去（持续合作）、留下来（IP扎根）。2025年携龙门农民画登陆西班牙时，他刻意将岭南舞龙画面与萨拉曼卡古城并置，用色彩碰撞替代文化说教。这种“文化混搭”不仅让农民画登上《国家地理》封面，更催生了西班牙艺术家与龙门画家的联合创作项目，形成可持续的交流生态。

线下传播的“下沉”与线上传播的“升维”同样关键。抖音“全民艺术计划”联合中国美协发起#我画我家#话题，3个月内收获42亿次播放量。河北农民画家@老张画炕头通过直播绘制《疫情下的村口值班室》，将宣纸上的速写与弹幕互动结合，让艺术创作成为一场全民参与的社交事件。这种“创作即传播”的模式，重构了艺术家与受众之间的权力关系——观众不仅仅是观赏者，也可以是共同创作者。

美术大众化趋势不可逆转

新时代美术大众化的终极图景，是艺术与日常生活的深度融合。北京798艺术区的“咖啡厅油画课”现象颇具代表性：白领们用午休时间在拿铁香气中临摹《星空》，主妇们在书店角落学习工笔花鸟，这些场景消解了艺术学习的仪式感，将其转化为都市生活的“精神瑜伽”。美团数据显示，2024年“零基础油画体验”订单量同比激增230%，其中70%消费者选择“即画即走”模式，拒绝传统画室长期课程的束缚和规训。

城市公共空间则成为艺术民主化的试验场。深圳福田区的“声音竹林”装置，通过传感器将行人脚步声转化为竹叶摩挲声效；成都太古里的《像素熊猫》用3万块乐高积木搭建，市民可随时替换模块改变造型。这类作品模糊了创作者与使用者的界限，正如当代艺术中常提到的理念：“观众即艺术，空间即观众”。在广州塱头村，许鸿飞将废弃祠堂改造为“肥女雕塑馆”，村民从“看不懂”到自发担任讲解员，这种转变证明：当艺术真正“长”在土地上时，大众化便不再是自上而下的教化，而是自内而外的文化觉醒。

当下，新时代的美术大众化的趋势已然不可逆转。艺术也不再是精英与大众的二元对立，而是在数字技术、市场机制与文化政策的合力下，形成的多元共生生态。当农民画登上著名美术馆、退休阿姨的山水画收获百万点赞、地铁站台成为流动艺术馆，我们看到的不仅是一场审美革命，更是一个文明体通过艺术重构自我认知的时代进程。正如德国学者瓦尔特·本雅明所言：“机械复制时代摧毁了艺术的光晕，却让更多人得以触摸美的碎片。”当下，这些碎片正在重组成一幅全民共享、大众共创的文化星图。

编辑：邬嘉宏