◆ 黄丽珈

香港话剧团与西九文化区联合制作的粤语原创音乐剧《大状王》，去年登陆上海文化广场大受好评，今年场场售罄，且台上台下共庆了第一百场演出。为何一部全程粤语演唱的地方原创作品，能够创造香港音乐剧北上巡演的票房纪录？

《大状王》取材于广东民间状师方唐镜的传说，编剧张飞帆跳出传统清官叙事，塑造游走在善恶边缘的讼师形象。高世章、岑伟宗组成黄金词曲班底，导演方俊杰带领香港话剧团一众专业演员，把粤剧的数白榄、南音说唱、市井俚俗人情搬上现代舞台。剧本叙事、词曲创作、舞美视觉、演员演绎，以及导演改编手法共同构成一套完整的商业音乐剧范式，为华语原创音乐剧提供了可参照的一种样本，也证明了地域文化非但不是传播阻碍，反而可以成为打动全国观众的核心竞争力。

以民间情理搭建跨地域共情地基

一部商业音乐剧能否走远，剧本是根基。《大状王》最聪明的创作选择，便是把民间传说里刁钻狡黠的“状棍”方唐镜作为主角，写一个“坏人”的自我救赎之路。当然，这个人物形象也依托了TVB电视剧《宋世杰传》和周星驰电影《九品芝麻官》等的广泛传播。传统公堂戏剧，习惯寄托于清官自上而下主持公道，而《大状王》的内核，是“向善是众人所愿”——公道，来自百姓心中朴素的是非与共情。

编剧没有将方唐镜塑造成传统义薄云天的侠客。他精通刀笔，擅长钻法条漏洞，为钱财可以颠倒黑白；他怕死、贪利、世故圆滑，满身市井小人物的弱点。曾经的儿时玩伴在八爷的威胁下向其索命的设定，逼迫这个惯于钻规则空子的状师，重新面对良知与善恶抉择。剧本借嬉笑闹剧铺陈人性复杂。商业戏剧引发的共鸣，不应该依靠地域符号的堆砌，而是挖掘藏在地域故事之下共通的人性命题。

多元曲风完成商业听觉表达

如果说剧本搭建故事骨架，那么音乐便是这部剧的灵魂。该剧音乐包含了接近三十种曲风：粤剧、南音山歌同时兼容百老汇音乐剧、摇滚、圆舞曲，中西音乐语言自如切换。粤语九声六调自带抑扬顿挫，双关、谐音、俚语是方唐镜打官司博弈的武器，很多辩术的机锋，就建立在粤语语义的缝隙之上。岑伟宗坚持粤语正字填词，兼顾音律、剧情与市井烟火，既有《撒一场白米》这般深沉悲悯的咏叹，也有充满市井戏谑、带着民间打工人自嘲的通俗小曲，雅俗共赏。高世章在百场返场的结尾自弹自唱，引来一众粉丝泪眼盈盈，特别是最后一句歌词“转眼就百场能闯过千关”，社交媒体纷纷喊出“请演1000场”。当粤语歌的传唱在内地越来越少，粤语爱好者仿佛在音乐剧中找到更好的共鸣。

从商业角度看，一套层次丰富的音乐体系，同时满足多层观众：喜爱传统戏曲的观众，可以捕捉粤剧、南音的韵味；熟悉欧美音乐剧的观众，可以接纳百老汇式的合唱编排；普通大众，能记住旋律动人、情绪饱满的抒情唱段。方言不再是猎奇的流行梗，而是戏剧冲突本身，音乐让地域文化转化为可以被全国接纳的听觉体验。

东方美学实现现代商业转译

商业音乐剧的舞美，既要服务剧情，也要带给观众沉浸式的剧场冲击。黄逸君担任舞台美学指导，张正和负责布景，整套舞美拒绝堆砌繁复复古道具，采用简约旋转双层舞台，木栅格、圆月、油纸伞、中式桌椅等东方符号精练提取，以极简的现代舞台语言重构清代岭南公堂与市井空间。文广也给予了极大的舞美展示空间，相关装置在大厅、二楼观众席都有陈列，观众可以自由互动，实现当代人随时拍摄美照的内在驱动。旋转舞台快速切换公堂、乡间、旅途多个场景，大月亮的意象反复出现，象征轮回、因果与人心，灯光、多媒体投影配合叙事节奏，不需要冗杂道具，便营造出阴阳人鬼交织的氛围感。高级的商业舞台，不是道具的昂贵，而是意象的精准。

市井狂欢与悲剧教化精妙平衡

《大状王》保留市井插科打诨的喜剧趣味，却没有放任喜剧稀释冤案的苦难。主演刘守正、郑君炽两组卡司交替饰演方唐镜、宋世杰，两位话剧出身的演员，把状师的油滑狡黠、贪生怕死，以及后期良知觉醒的挣扎完整演绎出来，喜剧桥段服务于人物性格，而不是单纯为搞笑而搞笑。越来越多的观众理解并感受到不同演员演绎的魅力，甚至开始提出A、B都要的观演诉求。

导演方俊杰本身兼具话剧与音乐剧创作经验，他没有照搬西方音乐剧的表演范式，而是把香港话剧团擅长的现实主义表演和粤剧的身段程式、现代歌舞编排互相融合，群演场面大量借鉴粤剧的程式化表达，把说书人开场定场诗、民间讲古的叙事形式直接搬上舞台，一开场就把观众拉入岭南民间叙事语境。不靠明星流量，依靠整套成熟演员体系，支撑上海二十场连演高强度的商业排期，实现口碑稳定输出。

华语原创音乐剧的商业新路径

《大状王》深耕在地文化，仔细打磨，从2015年概念萌生，2019年预演收集观众反馈，用接近十年周期完成作品。其火爆告诉我们：华语原创音乐剧不必追逐外来模板。真正能够跨地域打动观众的，恰恰是扎根本土市井，认真处理本土人性与伦理的故事。方言、地方传说、民间伦理，并非向外传播的包袱；当创作者不把它们当成猎奇的流行符号，而是作为戏剧冲突与人物塑造的土壤，地域文化就会成为商业作品独一无二的竞争力。